[Foto: Tom Flynn]
AS I LAY DYING otwiera nowy rozdział wraz z nadchodzącym nowym albuem “ As I Lay Dying”.
5 lutego 2027 roku nominowani do nagrody Grammy pionierzy metalcore’u, AS I LAY DYING, powrócą z nowym, zatytułowanym własną nazwą albumem „As I Lay Dying”, który ukaże się nakładem Napalm Records. Przez 25 lat zespół współtworzył światową scenę metalcore’ową, wydając osiem cenionych albumów studyjnych, prezentując bezkompromisowe, ciężkie brzmienie oraz charakterystyczne, melodyjne kompozycje.

Za sprawą dwóch nowych singli — „Polarized” i „Retribution” — AS I LAY DYING pokazują dwa celowo kontrastujące oblicza swojego nowego albumu. „Polarized” skłania się ku bardziej melodyjnemu i przystępnemu kierunkowi, łącząc ciężkie riffy z dynamiczną, wpadającą w ucho strukturą utworu. „Retribution” stawia natomiast na mroczniejsze, szybsze i bardziej agresywne podejście, eksponując cięższą stronę brzmienia zespołu. Oba utwory dają przedsmak muzycznej różnorodności albumu „As I Lay Dying”, którego znaczna część plasuje się gdzieś pomiędzy tymi dwoma kierunkami. Oba utwory są również dostępne razem na fizycznym singlu winylowym, a nowy materiał zabrzmi na żywo podczas nadchodzącej trasy zespołu po Ameryce Północnej.

AS I LAY DYING tak mówią o nowych singlach:
„‘Polarized’ i ‘Retribution’ pokazują dwa bardzo różne oblicza tego, co stworzyliśmy. Jeden z utworów jest bardziej melodyjny, podczas gdy drugi jest mroczniejszy, szybszy i cięższy, a znaczna część albumu plasuje się gdzieś pomiędzy tymi dwoma kierunkami. Mimo że tak bardzo się od siebie różnią, oba nadal mocno tkwią w tym, czym jest AS I LAY DYING. Nie możemy się doczekać, aż ludzie ich posłuchają i aż w lutym wyruszymy w trasę, rozpoczynając nowy rozdział zespołu”.
Obejrzyj oficjalne teledyski do utworów „Polarized” TUTAJ oraz „Retribution” TUTAJ!

AS I LAY DYING o nowym albumie:
„Nadanie temu albumowi tytułu ‘AS I LAY DYING’ miało dla nas duże znaczenie, ponieważ ta płyta jest jednocześnie kontynuacją i nowym początkiem. Nie chcieliśmy odtwarzać konkretnego etapu działalności zespołu ani wtłaczać utworów w wąskie ramy tego, jak naszym zdaniem powinno brzmieć AILD. Chcieliśmy połączyć wszystko to, co naturalnie nas przyciąga: melodię, agresję, szybkość, ciężar, emocje, atmosferę i potężne riffy, jednocześnie dbając o to, by każdy utwór nadal brzmiał bezsprzecznie jak AS I LAY DYING”.
Album stanowi naturalną ewolucję brzmienia zespołu, łącząc melodię, agresję, szybkość, ciężar i atmosferę, bez przywiązywania się do konkretnego etapu działalności AS I LAY DYING. „As I Lay Dying” powstawał w ramach intensywnego, zespołowego procesu tworzenia muzyki i produkcji. Od momentu powstania na przełomie tysiącleci AS I LAY DYING odegrali kluczową rolę w rozwoju współczesnego metalcore’u. Grupa sprzedała na całym świecie ponad milion albumów, wielokrotnie trafiała do pierwszej dziesiątki list przebojów, w tym na Oficjalną Niemiecką Listę Albumów oraz amerykański Billboard 200, a dzięki połączeniu miażdżącego ciężaru, melodyjnego songwritingu i technicznej precyzji wywarła wpływ na całe pokolenia zespołów.
Pre-order “As I Lay Dying” już dostępny

Lista utworów:
1. Satellites
2. Echoes
3. Relentless
4. The Cost To Stay
5. Polarized
6. Retribution
7. A Heart Meant To Break
8. No Way Out
9. If I Fall
10. After The Storm

„As I Lay Dying” łączy charakterystyczne dla zespołu ciężkie brzmienie z melodyjnymi i nowoczesnymi elementami, oferując na przestrzeni całego albumu szeroki wachlarz dynamiki. Warstwa tekstowa płyty porusza tematy przemiany, odpuszczania oraz osobistego rozwoju. „If I Fall” łączy surową intensywność z wrażliwością, mierząc się z tematami porzucenia, osądzania oraz siły potrzebnej, by ponownie się podnieść, podczas gdy „Echoes” buduje mroczniejszą, pełną emocji atmosferę, koncentrując się na uwolnieniu od destrukcyjnych więzi. Album został wyprodukowany przez Chrisa Clancy’ego i Tima Lambesisa, natomiast za produkcję „No Way Out” odpowiadał Dusten Boles. Całość łączy przeszłość zespołu z jego przyszłością, jednocześnie poszerzając jego brzmienie.
AS I LAY DYING — Tim Lambesis (wokal, dodatkowe gitary), Chris Clancy (bas, główny wokal w refrenach), Don Vedda (gitara, harmonie wokalne), Bill Hudson (gitara) oraz Tim Yeung (perkusja) — prezentują album ukazujący szerokie spektrum brzmienia zespołu. Gościnnie w utworze „No Way Out” pojawia się wokalista CJ McCreery z zespołu Immortal Disfigurement. Autorem okładki jest Corey Meyers, który współtworzy wizualną tożsamość zespołu od czasu albumu „My Own Grave”.

źródło: Napalm Records

W audycji Rock Radio przypomnienie kilku płyt ważnych dla fanów rocka. Dziś jeszcze urlopowo ale za tydziń już na żywo. 

Lista utworów:

Mother Love Bone: Stardog Champion
Mother Love Bone: Holy Roller
Mother Love Bone: Come Bite This Apple
Pearl Jam: Once
Pearl Jam: Black
Pearl Jam: Jeremy
Alice In Chains: Grind
Alice In Chains: Sludge Factory
Alice In Chains: Again

Porcupine Tree: Disclocated Day
Porcupine Tree: Moonloop
Steven Wilson: My Book Of Reegrets
Steven Wilson: Home Invasion/ Regret #9
Steven Wilson: The Creator Has A Mastertape

IGNEA zgłębia nostalgię we wszystkich jej odmianach na swoim nadchodzącym albumie studyjnym „Monumental”, którego premiera nakładem Napalm Records zaplanowana jest na 23 października 2026 roku. Po wydanym w 2023 roku albumie „Dreams of Lands Unseen” ukraiński kwartet przemierza wyjątkowe zakamarki przeszłości na dziewięciu utworach — od rozmachu i ambicji kosmicznych marzeń z czasów zimnej wojny, przez melancholię miejskiego rozpadu i zapomnianych modernistycznych budowli, aż po emocjonalny ciężar osobistych i zbiorowych wspomnień.

Wszystkie teksty na „Monumental” napisała wokalistka Helle Bohdanova. Muzykę skomponował klawiszowiec Yevhenii Zhytniuk, przy dodatkowym wkładzie Helle Bohdanovej. Za miks i mastering odpowiadał nominowany do nagrody Grammy producent Jacob Hansen, znany ze współpracy z takimi zespołami jak DELAIN, Amaranthe, Volbeat, Amon Amarth, Arch Enemy i Epica.

„Monumental” to drugi pełnowymiarowy album IGNEA napisany podczas pełnoskalowej wojny w Ukrainie. Proces nagrywania odbywał się głównie zimą 2025–2026 roku, w czasie mroźnych temperatur i długotrwałych przerw w dostawie prądu w Kijowie.

Pod względem muzycznym „Monumental” łączy techniczne metalowe riffy, industrialne faktury, atmosferyczne interludia, monumentalne refreny i melodyjne partie, odzwierciedlając „nostalgiczne podróże”, podczas których spotykają się mrok, refleksja i zachwyt.

Pod względem wizualnym i koncepcyjnym IGNEA czerpała inspirację z retrofuturyzmu, modernistycznej i monumentalnej architektury oraz wzornictwa przemysłowego, tworząc świat, w którym dźwięk, obraz i pamięć łączą się ze sobą. Album jest hołdem dla przeszłości, refleksją nad utraconymi i niezrealizowanymi wizjami przyszłości oraz celebracją ponadczasowego piękna ukrytego w zapomnianych miejscach.

Utwór otwierający album, „Darkness”, nadaje mu emocjonalny ton, przedstawiając nostalgiczne ucieczki, w które wszyscy czasem się pogrążamy, gdy teraźniejszość staje się przytłaczająca, a przeszłość wydaje się łagodniejsza, niż była w rzeczywistości. Utwór przechodzi między niepokojącymi, melancholijnymi zwrotkami a podnoszącymi na duchu, monumentalnymi refrenami, osiągając kulminację w katartycznym momencie z udziałem chóru na żywo i blast beatów.

Pełen energii od pierwszych sekund „Dreams of Lands Unseen” opowiada o epoce eksploracji kosmosu w czasach zimnej wojny — okresie, w którym ludzkość pokładała swoje największe nadzieje w kosmosie. Marszowe refreny przywołują napędzany propagandą optymizm tamtej epoki, podczas gdy połyskujące partie klawiszowe i solówki na thereminie budują charakterystyczną atmosferę lat 80.

Po nim następuje „Presence of the Past” — hołd IGNEA dla miejskiej dekadencji i słodko-gorzkiego uczucia życia w mieście, które nieustannie się zmienia, niszczeje, odbudowuje, zapomina i jednocześnie pamięta.

„Prefab” brzmi jak rave'owa ścieżka dźwiękowa dla metalowców — to mocny, industrialny hymn z udziałem ikony electro-industrialu Andy'ego LaPlegui z Combichrist. Jego charakterystyczny głos idealnie dopełnia atmosferę i tematykę utworu.

Drugi gościnny występ na albumie pojawia się w „Harmony Manufactured”, gdzie Helle Bohdanova dzieli partie wokalne z niemiecką wokalistką Brittą Görtz z HIRAES. Szybkie, techniczne riffy i robotyczne growle tworzą mechaniczny puls, a starannie skonstruowane aranżacje przywołują precyzję inżynierii i projektowania. Zarówno muzycznie, jak i tekstowo utwór pokazuje, że techniczna perfekcja wciąż może nieść ze sobą emocje, piękno i trwałą pamięć.

Tempo zwalnia w „What Buildings Dream of” — metalowej balladzie z podnoszącym na duchu, emocjonalnym refrenem. Subtelne elektroniczne bity dodają jej industrialnego pulsu, odzwierciedlającego surową fakturę monumentalnej architektury. Utwór jest hołdem dla piękna, kruchości i milczącego wewnętrznego życia budynków, które kształtowały zarówno nasze krajobrazy, jak i zbiorową wyobraźnię.

Najbardziej nieoczekiwany moment albumu pojawia się w „I am in Hell” — krótkim interludium stylizowanym na retrofuturystyczną reklamę telewizyjną z lat 60.

Następnie IGNEA ponownie zagłębia się w przeszłość za sprawą „Between No Longer and Not Yet” — doommetalowego utworu z elementami dark jazzu, oddającego stan umysłu towarzyszący słuchaniu płyty winylowej. Czas składa się na siebie poprzez dźwięk, a wspomnienia odblokowują się przy każdym obrocie igły — jest to refleksja nad pięknem i żalem związanym z nostalgią.

Album zamyka „Nadir” — refleksyjne, orkiestrowe outro, pozostawiające słuchacza z długo utrzymującym się poczuciem nostalgii, nadziei i cichej melancholii.

Na „Monumental” IGNEA zabiera słuchacza w nostalgiczne podróże — ze wszystkimi ich wzlotami i upadkami — wyrażone zarówno poprzez muzykę, jak i teksty. Towarzyszy im delikatny smutek i refleksja, ponieważ nostalgia potrafi przywołać piękne wspomnienia, które jednocześnie zostają przyćmione świadomością, że te chwile już nigdy się nie powtórzą.

źródło: Napalm Records

Szwedzcy przedstawiciele wschodzącej sceny hardrockowej, Velveteen Queen, prezentują „Talk or Walk” — czwarty singiel z długo wyczekiwanego drugiego albumu zespołu, The Greater Good, którego premiera nakładem Silver Lining Music odbędzie się już w najbliższy piątek, 18 września. Album można już zamawiać w przedsprzedaży w tym miejscu.

„Talk or Walk” to zadziorny rock’n’rollowy numer pełen charakteru, brudu i absolutnie pozbawiony potrzeby łagodzenia ciosów. Napędzany brudnymi gitarowymi riffami i potężnym refrenem oddaje chaos związku znajdującego się na krawędzi. To utwór o frustracji i żądaniu szczerości, kiedy skończyły się już wszystkie wymówki. Powiedz, co naprawdę myślisz, zmierz się z konsekwencjami albo ruszaj w drogę!

„’Talk or Walk’ to surowy, bezkompromisowy rockowy hymn o miłości stojącej na krawędzi rozpadu. Mów, co naprawdę myślisz, walcz o to, czego chcesz — albo, do cholery, zejdź z drogi!”
— Velveteen Queen

Nowy album The Greater Good czerpie z rockowego sznytu złotej ery Sunset Strip, przenosząc go ze Szwecji wprost na współczesną scenę, z solidną dawką oldschoolowego Guns N’ Roses oraz duchowymi powiązaniami z Aerosmith, Velvet Revolver i Hanoi Rocks. Za produkcję odpowiada uznany producent Sören Andersen, a album pokazuje bezpośrednią energię i żywiołowość Velveteen Queen.

Od kuszącego riffu i marakasów w „Too Far Gone” po bezczelny, pełen nonszalancji swagger „Liara”, napędzanego nisko osadzonymi, mocno uderzającymi riffami — The Greater Good oferuje szeroki wachlarz rockowych emocji. Nie brakuje również pełnoprawnej balladowej finezji: nastrojowy „Chains” pokazuje, że Velveteen Queen potrafią zejść do poziomu czystych, surowych emocji.

Wraz z The Greater Good Velveteen Queen będą nadal wnosić na scenę swoją wysokooktanową energię, serwując pełnokrwiste, grane na pełnym gazie rock’n’rollowe koncerty i konsekwentnie zmierzając ku dominacji na rockowej scenie. Zobacz Velveteen Queen na żywo i przekonaj się o ich sile na własnej skórze.

Opinie o albumie
„Impreza aż po horyzont słyszalności — jeśli chodzi o wschodzące rockowe zespoły, Szwecja naprawdę dostarcza. Riffy są świetne, hooki mocne, a odpowiednia dawka brudu jest na miejscu. ’The Greater Good’ to znakomity album, który łączy ze sobą dokładnie te wpływy, które powinien, i niemal na pewno będzie świetnie brzmiał na żywo.”
— ROCKS

„To niesamowite, jak autentycznie stosunkowo młodzi muzycy szwedzkiego zespołu VQ oddają ducha i charakterystyczne cechy sleaze i glam rocka ze wspaniałej ery Sunset Strip. Zespół, którego frontmanem jest wokalista Samuel, brzmi tak, jakby naprawdę był tam w tamtych czasach, a następnie został ponownie wcielony w życie — ich muzyka jest aż tak przekonująca. Podczas gdy dawni bohaterowie mają dziś problemy, ten kwartet wyraźnie pokazuje, jak swobodnie i bezpretensjonalnie może brzmieć sleaze i glam w 2026 roku.”
— ROCK IT

„Potężny hard rock ze Szwecji w wykonaniu Velveteen Queen. ’The Greater Good’ rockuje i toczy się z mocnym, glamowym pazurem. Wielkie wokale i wielkie gitary — ma stadionowy rozmach, ale jednocześnie brzmienie idealne do małych klubów. Hard rock, który jest jednocześnie współczesny i ponadczasowy; Szwedzi naprawdę trafili w punkt.”
— MUSIX

„Velveteen Queen może z dumą prezentować swoje inspiracje, ale ’The Greater Good’ pokazuje, że zespół coraz bardziej zasługuje na to, by stać obok formacji, które pojawiły się przed nim, zamiast jedynie podążać ich śladem.”
— FIREWORKS

„Szwedzi serwują swoją bezkrytyczną adorację z prawdziwym ogniem; ich entuzjazm jest wręcz namacalny. Potrafią też grać, a ’The Greater Good’ może pochwalić się znakomitym, krystalicznie czystym brzmieniem i dużą dynamiką.”
— AARDSCHOK

„Gothenburscy przedstawiciele trash rocka, Velveteen Queen, przyznają, że wszystkich swoich ruchów nauczyli się od Hanoi Rocks i wczesnego Guns N’ Roses.”
— CLASSIC ROCK UK

„Jest jasne, że hard rock i glam odzyskują swoje miejsce, a ’The Greater Good’ to idealna propozycja dla każdego, kto szuka drugiego życia albo świeżego spojrzenia na styl, który nie zamierza umrzeć!”
— [8/10] POPULAR 1

„…ten album zadaje cios za ciosem, a utwory tytułowy i ’Talk or Walk’ zdecydowanie wyróżniają się wśród całej gamy pełnych energii hymnów. Wyjątkowy album.”
— [10/10] POWERPLAY

„Drugi album szwedzkiego zespołu to hołd dla glamowej sceny Los Angeles i Sunset Strip z lat 80.”
— [8/10] ROCK HARD ITALY

„Album wyprodukowany przez Sörena Andersena płynie swobodnie od początku do końca, przywracając ideę rock’n’rolla jako czystej zabawy.”
— CLASSIC ROCK ITALY

„Kto powiedział, że glam rock umarł? Na pewno nie ja. I z pewnością nie Velveteen Queen.”
— GET READY TO ROCK – 4/5

The Greater Good – lista utworów
Too Far Gone

The Greater Good

Talk or Walk

Adrenaline

Can’t Go Back in Time

Chains

It Ain’t Over

Liar

Best of the Best

Sorry

Try (Try to Believe Me)

The Greater Good ukaże się w najbliższy piątek, 18 września, na winylu, CD, w formatach cyfrowych oraz jako zestawy D2C. Zamów album w przedsprzedaży i już teraz słuchaj singli w tym miejscu. Przedsprzedaż albumu jest dostępna tutaj.

VELVETEEN QUEEN

Samuel Nilsson – wokal prowadzący, instrumenty klawiszowe

Lukas Axx – gitara

Noah Mårdh – gitara

Vilmer Fall – gitara basowa

Isac Borg – perkusja

źródło: Scream For Existence

COMA RE-START powraca – tym razem w wyjątkowej filmowej odsłonie. Od 8 października 2026 roku na TVP VOD będzie można zobaczyć specjalny filmowy zapis trasy, która stała się jednym z najbardziej spektakularnych przedsięwzięć COMY.

COMA RE-START to historia muzyczna rockowej legendy z Łodzi rozłożona na części, przetworzona i uruchomiona od nowa. Sześć koncertów, tysiące uczestników i niezwykłe połączenie rocka, teatru, multimediów, archiwaliów i pamięci stworzyły „Koncert Totalny", w którym przeszłość została rozegrana jeszcze raz – głośniej, mocniej i inaczej.

Sześć koncertów odbyło się w 2025 roku. Teraz historia doczeka się kolejnego rozdziału – siódmego koncertu totalnego, który wydarzy się po raz pierwszy, tym razem online.

Z setek godzin materiału zarejestrowanego podczas całej trasy powstał specjalny filmowy zapis COMA RE-START – FILM KONCERTOWY. To wyjątkowe doświadczenie, w którym spotykają się kluczowe utwory, nowe aranżacje, archiwalne materiały, monumentalne multimedia oraz energia tysięcy uczestników zamknięta w jednym filmowym zapisie.

Roguc, Witos, Kobez, Matusz, Von Marszal i Von Hasselhoff ponownie wchodzą do gry i jeszcze raz mierzą się z własną historią – od pierwszego dźwięku, przez kolejne poziomy, aż po spektakularny finał.

To nie jest retransmisja ani zwyczajna rewizyta. To COMA RE-START zbudowana jeszcze raz.

Dla tych, którzy byli pod sceną, to powrót do emocji i wspomnień z trasy. Dla tych, którzy nie mogli uczestniczyć w koncertach, to szansa, by wejść do gry i doświadczyć COMA RE-START w nowej, filmowej formie.

COMA RE-START_FILM KONCERTOWY
TYLKO NA TVP VOD OD 8.10.2026

źródło: Live2Listen

Liverpoolski zespół ECHO & THE BUNNYMEN wyda w piątek, 18 września, nakładem BMG swój pierwszy od ponad dekady album zawierający zupełnie nowe, napisane przez zespół utwory – „Apples for Isaac”. Nie przegapcie go!

Echo & The Bunnymen wydadzą 18 września 2026 roku nakładem BMG swój pierwszy od dwunastu lat album z nową muzyką. „Apples For Isaac” to trzynasty album zespołu. Jest następcą wydanego w 2014 roku Meteorites (a także kompilacji The Stars, the Oceans & the Moon z 2018 roku). Album ukaże się na winylu, CD oraz w formatach cyfrowych.

Niedościgniony głos śpiewający teksty, które mogłyby być poezją płynącą z gwiazd, na tle muzyki zdolnej bez ostrzeżenia unieść słuchacza — „Apples for Isaac” to monumentalny powrót Echo & The Bunnymen.

Po latach spędzonych na koncertowaniu i prezentowaniu publiczności na całym świecie swojego niezwykłego katalogu klasycznych utworów, Bunnymen nagrali album odważny i pełen pewności siebie, który momentami oferuje słuchaczowi wręcz czuły, pełen miłości uścisk.

W jedenastu utworach składających się na „Apples for Isaac”, Ian McCulloch, Will Sergeant i pozostali członkowie zespołu stworzyli niezwykle wciągającą kolekcję piosenek, która doskonale oddaje samą istotę tego, co czyni Bunnymen tak wyjątkowym.

Na albumie „Apples for Isaac” zagrał legendarny perkusista Clem Burke, który pojawia się na dziesięciu z jedenastu utworów. Zespół tak wspomina jego udział w nagrywaniu albumu:

„Potężny, legendarny Clem Burke — wieloletni przyjaciel Maca — odegrał kluczową rolę w powstaniu tego albumu i, łamiąc serce, odszedł podczas jego ukończenia… kochamy cię, Clem X”

Założony w Liverpoolu w 1978 roku zespół Echo & The Bunnymen wniósł niezwykły blask w długie cienie punk rocka. Od samego początku wyróżniali się wyjątkowym muzykalnym kunsztem, a także niepowtarzalnym, charakterystycznym dla Iana McCullocha brytyjskim dowcipem i emocjonalnością. Tworzyli utwory, których kolejne pokolenia słuchały, uczyły się i śpiewały.

Na przestrzeni lat ich poruszające i pełne emocji nagrania określano jako wszystko — od new wave i post-punku po psychodelię i gotyk. W rzeczywistości są po prostu wspaniałym dorobkiem jednego z największych zespołów rock’n’rollowych, jakie kiedykolwiek wyłoniły się z Liverpoolu.

Echo & The Bunnymen tworzą: Ian McCulloch, Will Sergeant, Ste Brannan, Simon Finley, Mike Smith i Peter Riley.

źródło: KINDA

2 października grać będzie zespół Artrosis, który odwiedzi klub Gwarek w ramach jubileuszowej trasy z okazji XXX-lecia działalności zespołu.
Natomiast 31 października w Krakowie wystąpią Runika, Velesar oraz Merkfolk, którzy zagrają w ramach trasy Folk Metal Night.

Artrosis + Caro Mane + Arthemore
Data: 02.10.2026
Miejsce: Klub Gwarek

Folk Metal Night: Runika + Velesar + Merkfolk
Data: 31.10.2026
Miejsce: Klub Gwarek

źródło: Damian Stróżek

Projekt Futuris został stworzony wyłącznie z potrzeby oddania hołdu wielkim poetom futuryzmu konfrontując ich twórczość z muzyką zimnej fali. Formacja zadebiutowała w 2024 roku utworem 'W drodze' do słów Stanisława Młodożeńca. Liderem i założycielem projektu jest Marcin Jerzyna, znany z zespołów Optical Sun i Lan/cet.

Futuris to konceptualny projekt muzyczny zainicjowany przez Marcina Jerzynę (znanego z formacji Optical Sun i Lan/cet), zrodzony z fascynacji polskim futuryzmem oraz twórczością poetów polskiej awangardy literackiej. Formacja zadebiutowała w 2024 roku utworem 'W drodze' do słów Stanisława Młodożeńca, zrealizowanym we współpracy badawczo-artystycznej z dr Justyną Gorzkowicz (Polski Uniwersytet na Obczyźnie w Londynie) oraz Jarosławem Soleckim (Blue Point Art Gallery w Londynie).

Muzycznie Futuris operuje na styku nowoczesnej produkcji, gitarowo-basowych aranżacji oraz warstwy elektroniczno-rytmicznej tworzonej przez Łukasza Suszkę (Wesoła24 Studio), łącząc poezję z surową, współczesną formą dźwiękową.

Najnowszy singiel 'Zwiastowanie' powrócił do poetyckiego dorobku Brunona Jasieńskiego (właśc. Wiktora Bruno Zysmana, 1901–1938) – jednego z ojców założycieli polskiego futuryzmu, autora głośnych manifestów z „Jednodńuwki futurystuw" oraz powieści "Palę Paryż". Kompozycja powstała na okoliczność 125. rocznicy urodzin poety oraz III Międzypokoleniowego Festiwal Literackiego GEN-eracja Słowa w Sandomierzu. Nagranie oparte na wierszu Jasieńskiego z 1922 roku zderza tradycyjną formę poetycką ze śmiałą, ekscentryczną metaforyką, a w sferze wokalnej wykorzystuje partie chórków wykonane przez Magdalenę Zaborniak. Oficjalna prezentacja towarzyszącego kompozycji wideopoematu (z grafikami Marty Gogłuski-Jerzyny) odbędzie się 18 września 2026 roku w Muzeum Zamkowym w Sandomierzu, stanowiąc artystyczny punkt odniesienia dla tragicznej biografii pisarza – od rewolucyjnych skandali w Krakowie i deportacji z Francji, po czystki stalinowskie w ZSRR, w wyniku których został rozstrzelany w 1938 roku.

Futuris:
Marcin "Jeżo" Jerzyna – gitara, bas, wokal
Łukasz "Suchy" Suszko – beat, klawisze, efekty specjalne
Magdalena Zaborniak – wokal (chórki)

źródło: Filip Sarniak

fot. Don Adkins

LOS ANGELES, CA (10 września 2026 r.) - "Do You Remember? Well, We Remember." Czterdzieści pięć lat temu Mötley Crüe przedstawili się światu albumem surowym i bezkompromisowym, rozpoczynając jedną z najbardziej osławionych i trwałych karier w historii rocka. Dziś Mötley Crüe ogłosili specjalny, limitowany box set z okazji 45. rocznicy swojego legendarnego albumu debiutanckiego, Too Fast For Love, który ukaże się 30 października nakładem BMG.

Uznawany za jeden z najlepszych albumów debiutanckich wszech czasów, Too Fast For Love był pierwszym wielkim hardrockowym albumem z Los Angeles lat 80., pomagając otworzyć drzwi do żywotnej hollywoodzkiej sceny rockowej tamtej dekady, a także do fali kontraktów i naśladowców, które pojawiły się później. Pierwotnie wydany własnym sumptem w listopadzie 1981 roku w nakładzie zaledwie 900 LP przez należącą do zespołu wytwórnię Leathür Records, Too Fast For Love był prawdziwym manifestem DIY. Napędzany wybuchowymi koncertami Crüe album szybko stał się poszukiwanym wydawnictwem undergroundowym, a mniej niż sześć miesięcy później Elektra Records podpisała kontrakt z zespołem.

W sierpniu 1982 roku ukazała się zremiksowana i zremasterowana wersja Too Fast For Love ze zmienioną listą utworów. Główny singiel «Live Wire» trafił do stacji radiowych, a klasyczny teledysk zbiegł się w czasie z niedawnym startem MTV, dzięki czemu wielu fanów hard rocka po raz pierwszy poznało Crüe. Punkowa postawa zespołu, glamrockowa pewność siebie i wybuchowa energia sceniczna szybko wyróżniły ich spośród innych. Too Fast For Love uzyskał certyfikat PLATINUM w USA i GOLD w Kanadzie, zapewniając zespołowi pierwsze z wielu miejsc na listach przebojów: n. 77 w USA, n. 17 na UK Rock & Metal, n. 77 na Scottish Albums oraz n. 95 na Swiss Albums.

Otwierający album utwór «Live Wire» od 45 lat stanowi fundament koncertowego repertuaru zespołu i zyskał nową publiczność dzięki pełnym energii, dynamicznym wykorzystaniom w grach wideo, programach telewizyjnych, filmach i reklamach. Obecna setlista trasy obejmuje również «Too Fast For Love» i «Take Me To The Top», co potwierdza niezmienną miłość fanów do tego albumu. Brud i furia tych utworów kontrastują z bardziej refleksyjnymi «On With The Show», «Starry Eyes» i «Merry-Go-Round», ukazując szeroki wachlarz kompozytorskich możliwości stojących za albumem.

Centralnym punktem obchodów 45. rocznicy jest limitowany box set deluxe, zawierający wersję Leathür Records z 1981 roku, która osiąga ceny rzędu tysięcy dolarów, gdy tylko pojawia się na rynku, wersję Elektra Records z 1982 roku, nagrania koncertowe z legendarnych występów w Perkins Palace w 1982 roku, prezentujące utwory z epickiego Shout At The Devil z 1983 roku, nigdy wcześniej niepublikowany LP z 5 utworami, zawierający dema z pierwszych sesji studyjnych zespołu z marca 1981 roku, replikę kasety demo, replikę singla 7", 100-stronicowy album fotograficzny w twardej oprawie, replikę plakatu i wiele więcej.

Zawartość edycji deluxe z okazji 45. rocznicy Too Fast For Love

1LP Black Vinyl remastered 1981 Leathür Records 10-track version

1LP Black Vinyl remastered 1982 Elektra Records 9-track version

2LP Black Vinyl Rare live recordings from the legendary Perkins Palace performances in 1982

1LP Black Vinyl first-ever studio session, March 1981

100-page hardcover book featuring rare and previously unpublished early-band photographs

Replica original demo cassette

Replica original 7-inch single

CD 1981 Leathür Records 10-track version

Replica Poster

Lyric Book

źródło: MARK FABISH

GLOBAL MARKETING CONSULTANT

Fińscy rockmani z THE RASMUS — Lauri Ylönen (założyciel, frontman, główny wokalista i autor piosenek), Eero Heinonen (bas), Emilia „Emppu” Suhonen (gitara) oraz Aki Hakala (perkusja) — z ogromną radością prezentują swoją pełną energii wersję klasycznego hitu Alphaville z lat 80. „Forever Young”.

Zespół wybrał ten utwór nie tylko dlatego, że przenosi ich (i słuchaczy) w inne czasy i inne miejsce, ale również dlatego, że 42 lata po premierze wciąż pozostaje niezwykle aktualny.

The Rasmus odcisnęli na nim swoje wyraźne piętno — w zwrotkach pozostali wierni duchowi oryginału, ale jednocześnie podkręcili agresję i gitarową energię, nadając piosence świeży i nieoczekiwany punkrockowy charakter. Przyspieszyli tempo, dodali więcej brudu i energii do tego kultowego utworu.

Wersja zespołu zyskuje naładowane elektrycznością brzmienie, gdy The Rasmus nadają znajomej melodii własny, mocny charakter. Dzięki temu piosenka brzmi szybciej, głośniej i bardziej żywiołowo. To pełna dobrej zabawy interpretacja klasyka, która doskonale odnajduje się w muzycznym świecie The Rasmus.

„Ta piosenka, «Forever Young», pierwotnie wykonywana przez niemiecki zespół Alphaville, jest swego rodzaju ścieżką dźwiękową naszej młodości” — mówi Ylönen. „Nagranie coveru tej piosenki jest nostalgiczne, ale pod względem tekstu utwór pozostaje również bardzo aktualny, biorąc pod uwagę to, co dzieje się obecnie na świecie”.

Fakty mówią same za siebie.

Następnie The Rasmus rozpoczną rok 2027 europejską trasą koncertową, podczas której wystąpią jako główna gwiazda. Trasa rozpocznie się 28 stycznia, a zakończy 18 marca. Wszystkie nadchodzące koncerty znajdują się poniżej. Bilety są dostępne tutaj.

THE RASMUS W TRASIE:

EUROPEAN HEADLINE TOUR 2027
28.01 — Tallinn, Estonia — Helitehdas
29.01 — Ryga, Łotwa — Palladium
30.01 — Wilno, Litwa — Loftas Club
31.01 — Gdańsk, Polska — Club B90
02.02 — Poznań, Polska — B17
03.02 — Wrocław, Polska — A2
04.02 — Kraków, Polska — Studio
05.02 — Budapeszt, Węgry — Barba Negra
06.02 — Graz, Austria — PPC
08.02 — Linz, Austria — Posthof
09.02 — Dornbirn, Austria — Conrad Sohm
10.02 — Treviso, Włochy — New Age
11.02 — Rubigen, Szwajcaria — Mühle Hunziken
12.02 — Villeurbanne, Francja — La Rayonne
13.02 — Audincourt, Francja — Le Moloco
14.02 — Mannheim, Niemcy — Alte Feuerwache
16.02 — Düsseldorf, Niemcy — Zakk
17.02 — Praga, Czechy — Forum Karlín
18.02 — Brema, Niemcy — Schlachthof
19.02 — Drezno, Niemcy — Beatpol
20.02 — Ulm, Niemcy — Roxy
22.02 — Erlangen, Niemcy — E-Werk
23.02 — Nijmegen, Holandia — Doornroosje
24.02 — Lille, Francja — Blacklab

źródło: KINDA